O Banquete Estético da Arte Cinematográfica

"O Cinema está morto. vida longa ao Cinema", ele disse.

Para o cineasta Peter Greenaway, um filme é feito sobretudo de imagens em movimento. Ao diretor, interessa mais a composição do plano cinematográfico do que a construção do roteiro. Seu olhar tem a mesma sensibilidade da visão de um pintor, ocupado em representar meticulosamente na tela as cores, a disposição dos objetos no cenário, o movimento dos atores diante da câmera. Não é à toa que as suas preocupações estéticas dizem de cara quem Greenaway é: um artista plástico que, antes de começar a extensa carreira no cinema, dedicou tempo integral à pintura. "A única arte que me ensinou algo foi a pintura, eu penso que ela é arte suprema.

Michael e Georgina se encontram no banheiro multicolor

Se você quiser contar histórias, seja um escritor e não um cineasta", disse Greenaway pouco antes da estréia de O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante, em 1989. Marcado pelo estilo barroco de figurinos e cenários, o filme acaba de ser lançado em DVD e confirma ser o melhor longa-metragem do cineasta até o momento. Apesar da ênfase na plasticidade de cada seqüência, O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante não desmerece a força de uma boa história que lembra o teor visceral das tragédias clássicas gregas. Morte, sexo e poder norteiam a história do gângster Albert Spica (Michael Gambon) que janta todas as noites no restaurante Le Hollandais em companhia de seus capangas e da esposa Georgina (Helen Mirren). Cansada do comportamento violento do marido, Georgina começa a flertar com o bibliotecário Michael (Alan Howard). A traição estimula Spica a preparar uma cruel vingança contra Michael, que por sua vez será vingado por Georgina. Enquanto isso se evidencia o contraste entre o rico e pedante Spica, que também é proprietário do restaurante, e o humilde e atencioso chef de cozinha Richard. E, no meio de toda a trama, um garotinho pontua cada ato com uma melancólica canção como se suprisse o papel do coro trágico.

Spica vê-se obrigado a degustar uma iguaria exótica

Sensações oriundas do baixo ventre exercem suma importância em O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante. Há uma intrinseca relação entre a arte culinária e o sexo. "No mundo antigo, os romanos e os gregos sempre pensaram que a alma residia no abdômen; apenas os cristãos acreditavam que ela habitava o peito. As civilizações primitivas ensinaram que a barriga é o centro do corpo e sua própria gravidade, mas o cristianismo subverteu esse princípio ao considerar o coração como o âmago do homem", comentou Peter Greenaway sobre o filme. O cineasta também não poupa o espectador da violência e da escatologia para provocar uma reflexão mais intensa sobre as paixões do homem moderno e sua natureza animal. Logo no início, vemos a polêmica cena em que o ladrão, Albert Spica, violenta um homem na entrada do restaurante e o obriga a comer os excrementos dos cachorros que estão latindo e brigando. O contraponto à sujeira externa é a cozinha esverdeada, cujo cenário denota assepsia e purificação. Aliás, cada espaço apresenta cor e luz diferente para enfatizar sua importância cênica no decorrer das ações. "A cozinha é verde porque representa a floresta de onde vem todo o alimento; o restaurante é vermelho por ser onde toda a violência ocorre; o banheiro, onde os amantes fazem amor pela primeira vez, é como o paraíso, e como tal ele tinha de ser branco; tem uma breve seqüência no hospital que é iluminada com amarelo porque para mim é a cor das crianças, dos ovos, dos recém-nascidos; e finalmente a cor da biblioteca que é ouro, representando 'a época dourada do aprendizado', o idílico tempo em que tudo no Jardim do Éden era maravilhoso", chegou a explicar Greenaway na época do lançamento do filme nos cinemas.

O quadro de Frans Hals que inspirou Greenaway no seu Banquete

Convém observar o quadro "Banquete dos Oficiais da Companhia da Guarda de São Jorge", do holandês renascentista Frans Hals, que propositalmente enfeita a parede do salão principal do restaurante para dar conta do exercício de poder de Spica, durante as fartas e exóticas refeições, e também para criticar os bons costumes da Grã-Bretanha. Todo o moralismo britânico e cristão desmorona na cena final, que apenas os espectadores de estômago forte conseguem suportar e é de um lirismo primoroso, onde Georgie desafia o marido a cumprir o prometido, a devorar o amante morto.

Spielberg melhorado? sem comparações.

A Dama na Água mesmo com todo os seus defeitos é o mais belo filme de M. Night Shyamalan. E eu os digo o porque: É uma declaração de princípios à sua forma de fazer cinema, uma carta de amor à mise-en-scène. Toda a engrenagem de seus filmes está exposta nesta fábula. Nunca vou esquecer-me da forma como ele constrói a aparição da ninfa do mundo aquático Story desde o primeiro plano do filme, simplesmente anulando o contracampo; o extremo cuidado com o plano final de Cleveland refletido na água; e a beleza do tempo de corte no fade out final. Simplicidade que se transforma em imagens singelas e com uma magia extra, cortesia também da fotografia de Chris Doyle.
Qual outro cineasta construiria tão belos planos dentro de um filme Hollywoodiano nos dias de hoje? com exceção de WKW, creio que somente o realizador indiano. Já aguardo ansiosa seu próximo filme.

os olhos que tudo enxergam: Christopher Doyle

Bai Ling e Miriam Yeung no episódio "Dumplings", de Fruit Chan

Falar do trabalho de Christopher Doyle (aka. Chris Doyle / Kefeng Du / Ho Fung To) é primeiramente, me remeter a uma coisa que ouvi alguns anos atrás de outro grande diretor de fotografia, o meu amigo Alziro Barbosa: "fotografar antes de mais nada é pintar com a luz". Se o princípio do ato fotográfico se baseia na utilização, de forma inteligente e criativa, das fontes de luz (sejam elas naturais ou artificiais), Chris Doyle pode-se considerar o maior expressionista da cinematografia mundial.
A sua câmera descortina as cenas, dança nos planos e nos revela imagens sublimes, plasticamente soberbas, principalmente nos filmes de Wong Kar-Wai, a colaboração do fotógrafo inventivo com o diretor amante do design gera tomadas lindas, mas que não são somente belas e sim "significam", todo o cenário e as coisas falam, não somente os atores, compondo uma narrativa rica que se absorve em camadas. A mão e o olhar do fotógrafo australiano são experientes e sabem exatamente tornar real a concepção estética pensada anteriormente.
Chris trabalha quase que exclusivemente na Ásia (aslavo as exceções, como o remake do Psicose de Gus Van Sant e a produção australiana Rabbit proof-fence), pois para ele "o cinema americano está seco de boas idéias" e completa: "Eles (falando dos ocidentais, Chris se refere a si próprio como oriental) acreditam em uma fórmula. Eles categorizam. Eles tentam explicar as coisas em vez de descobri-las. Eles falam antes de olhar."
A união com WKW dura mais de 10 anos e só resultou em belos e profundos filmes, como Days of Being Wild, Chunging Express, Fallen Angels, Ashes of Time, Happy together, In The Mood for Love, 2046 e Eros (episódio "A Mão"), além de publicidade e videoclipes (o soberbo Six Days - DJ Shadow). Mas esta é uma relação complexa. Num casamento artístico estruturado pela busca da perfeição, Kar-wai e Doyle têm ritmos opostos. O primeiro é lento -levou 3 anos para terminar In The Mood For Love e mais cinco anos para concluir 2046-; o segundo tem pressa, quer acabar logo um projeto e partir para outro (na China, Doyle adota outro nome: Du Ke Feng, algo semelhante à "igual ao vento"). Agora parece que estão traçando caminhos opostos, no último filme do diretor de Hong Kong, My Blueberry Nights, Chris deu lugar a Darius Khondji, que também será o fotógrafo do remake de A Dama de Shangai (o clássico do Orson Welles), a ser dirigido por WKW em 2008.

Maggie Cheung em "Herói" de Zhang Yimou

Uma pena, sabendo que a colaboração entre os dois gera obras cinematográficas de valor irrefutável, mas Chris Doyle parece estar satisfeito com os novos rumos que a sua carreira vem tomando. Ele continua fotografando filmes , principalmente na China, sendo os últimos o doentio 3...Extremos (3 episódios, dirigidos por Fruit Chan "Dumplings", Takashi Miike "Box" e Park Chan-Wook "Cut") e o inédito Green Tea (de Zhang Yuan), e agora quer voltar à direção (tinha se aventurado anteriormente em 1999, com Away with Words), após realizar um dos 20 episódios do filme Paris Je t'aime (ao lado de Walter Salles, Gus Van Sant, Mathieu Kassovitz, etc.) ele negocia um projeto que é um épico de artes marciais (estilo que bem conhece, vide sua fotografia em Ashes of Time e Herói, de Zhang Yimou).
Enquanto Kar-wai tece suas tramas de colisões amorosas e desencanto, Doyle encena, na sua própria vida, uma improvável biografia de desencontros e encontros, ele saiu da Austrália com 18 anos, já foi escavador, praticou medicina e foi marinheiro, e assim conheceu toda a Ásia.

Christopher Doyle

Diz que seu fascínio pelo Oriente e pelo cinema aconteceram por acidente. "Queria aprender uma língua, e calhou de ser o chinês. Tinha bastante tempo livre quando era estudante, e alguém pôs uma câmera na minha mão. O espanto tanto em relação ao que a língua me permitiu falar e dividir, e negociar o espaço entre as maneiras como eu e a câmera vemos, são o porque daquilo que sou." Ou seja, Doyle viu muitas coisas e embarcou de cabeça numa vida sem limites, como se fosse um personagem de filme, o que lhe permitiu usar sua experiência como base para a criação artística. Além, claro, da bagagem e do próprio gosto de cada um. Para ele, importam os aspectos subjetivos. "As formas mais elevadas são dança e música. Um corpo no espaço é um poema; um som em corações alheios é para sempre. Seguro a câmera para dançar com os atores, para dá-los o maior espaço possível para serem quem eles precisam ser e para estar tão perto deles como se fosse dar um beijo. Então o espectador, pode ser beijado também." No que ele completa: "Não se existe uma forma de aprender a fazer filmes, tem que fazê-los, descobrí-los, deixar a sensibilidade aflorar acreditar no que se está filmando e se permitir ser engolido pela história, pela estética do que se está criando".
A maneira de capturar tudo o que foi falado é assistindo os filmes. Olhar a poesia visual dos filmes fotografados por Chris Doyle (em especial os dirigidos por WKW) ultrapassa qualquer entendimento.